Pourquoi nous devons décoloniser le design

Lorsque Malene Barnett est allée à l’école de design, elle espérait explorer l’histoire du design et les influences du monde entier. Mais il est rapidement devenu évident que la seule chose au programme était la conception eurocentrique.

“Mon travail était entièrement axé sur l’expérience des Noirs et je n’allais pas me contenter de ce qui était offert”, a déclaré Barnett. Elle a donc décidé de se concentrer sur les symboles, les textiles, les techniques et les artisans d’Afrique, le continent où toute vie a commencé..

Le colorblock sud-africain Ndebele a inspiré son projet de papeterie. Elle a remporté un prix de conception de tapis pour son tapis représentant un conte folklorique africain. Pour son modèle de vaisselle, son « client » était la famille royale Ashanti du Ghana. Certains professeurs l’ont compris, d’autres non, mais elle a persisté. “J’étais très clair sur ma voix et ma vision et j’étais confiant”, dit Barnett. Elle a obtenu son diplôme avec mention et a remporté la médaille du département.

Aujourd’hui, en tant que céramiste, peintre et artiste textile de renom, Barnett veut aider d’autres designers "décoloniser" leur conception pour embrasser les personnes, les processus de conception, les matériaux et la méthodologie du monde entier. Voici ce qu’elle propose.

Se débarrasser des étiquettes

Les mots ne sont que des mots, mais ils façonnent notre façon de penser et ce que nous valorisons. « Pourquoi est-ce que la seule fois où vous pensez au travail des Noirs et des Bruns, ils sont mis dans Bohenmian-tribal-ethnic ? » demande Barnett. Idem pour "primitif," un terme humiliant rarement appliqué au travail des blancs. “Ces mots en eux-mêmes ne sont pas de mauvais mots, mais les Blancs ont créé cette division entre ce qui est haut et bas et ce à quoi vous devriez aspirer”, dit-elle.. "Ils ont assumé l’autorité de décider de ce qu’il y a à l’intérieur ou à l’extérieur lorsqu’ils parlent du travail des Noirs et des Bruns."

Abolir les catégories de conception

Nous catégorisons souvent le décor comme ayant une esthétique moderne ou traditionnelle. Les Eames et Eero Saarinen sont des icônes du modernisme du milieu du siècle. Mais saviez-vous que vous pouvez trouver un design moderniste au Mexique – il suffit de regarder le Musée national d’anthropologie de l’architecte Pedro Ramirez Vázquez. Ou pensez à l’architecte anglo-ghanéen David Adjaye, mieux connu pour le Musée national d’histoire et de culture afro-américaines. Et le « traditionnel » évoque-t-il les canapés Chesterfield, les fauteuils à oreilles et autres ornements européens des XVIIIe et XIXe siècles ? Les tables en dentelle Bamiléké, sculptées dans un seul tronc d’arbre, ont été des choix traditionnels pour les dirigeants camerounais pendant des siècles – quoi de plus "classique" que ça? Se libérer des catégories conventionnelles permet plus de créativité.

Élargissez vos références

Il est naturel de définir le design en termes d’artistes que nous connaissons, tels que Picasso, Monet ou Van Gogh. Barnett exhorte les designers à se renseigner également sur les artistes en dehors de l’Europe. Allez plus loin avec Henry Ossawa Tanner, le premier peintre noir américain acclamé qui s’est spécialisé dans l’art religieux et les scènes de la vie quotidienne ; Romare Bearden, dont le travail couvrait l’expressionnisme abstrait et le cubisme; Elizabeth Catlett, un sculpteur et graphiste de l’époque de la Renaissance de Harlem.

Voyagez dans un nouvel endroit

Faire des voyages pour voir où les meubles ou les tissus sont créés est une partie essentielle de l’apprentissage du design et de la création d’intérieurs porteurs de sens. Mais quand tu prends ton passeport, où vas-tu ? C’est amusant de voyager à Paris ou en Toscane, mais de nombreux designers ne sont pas aussi intéressés à se rendre à Dakar, Kingston, la Jamaïque ou la Guyane. “C’est une perte, en particulier parce qu’ils ne comprennent pas les gens, la culture et le mode de vie”, a déclaré Barnett. Et même s’il est bon d’apprécier ce que vous voyez à l’étranger, ne revenez pas et « interprétez » ces conceptions dans votre propre travail (au lieu de cela, essayez de soutenir directement les personnes qui créent ce travail).

Apprenez comment les choses sont faites

Beaucoup de gens pensent que les textiles fabriqués en Italie sont supérieurs à ceux de l’Inde ou du Ghana, mais cela change lorsque vous creusez dans la façon dont les choses sont fabriquées. « Lorsqu’il s’agit d’intérieurs, notre culture est utilisée comme un accent, mais les designers ne connaissent rien aux Bambara », dit-elle. Les vrais textiles africains, du mudcloth au kente au tissu Kuba, sont créés grâce à des processus de tissage minutieux. Pour la boue, les hommes Bambara du Mali tissent des bandes de tissu, cousent les bandes ensemble et les teignent dans de la boue fermentée. C’est généralement en noir et blanc, mais ils font aussi une magnifique version indigo. « Vous ne pouvez pas séparer la culture du peuple," dit Barnett. "Nous devons revenir à la compréhension de la culture, des gens et des créateurs. Cela fait partie de la décolonisation de ce processus de conception. Une fois que vous aurez fait ces cinq choses, vous aurez une nouvelle toile et votre processus créatif évoluera constamment."

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Maria C. Hunt est une journaliste basée à Oakland, où elle écrit sur le design, la gastronomie, le vin et le bien-être. Suivez-la sur instagram @thebubblygirl.

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